e novos níveis climáticos na sonoridade – como se o Radiohead resolvesse gravar um disco de jazz”. Parks que já foi sideman do excelente trompetista Terence Blanchard, com quem gravou alguns álbuns e também excursionou, já lançou três álbuns, inclusive o ótimo “Wizards” de 2001, que junto com um quinteto passeia por diversos estilos, fazendo uma viagem musical bastante interessante. Em entrevista Parks diz ter influências diversas que vão desde Carla Bley, Keith Jarrett, Wayne Shorter, Ornete Coleman e Miles Davis passando por Radiohead, Bjork, Blonde Redhead, Debussy e Bach. Apesar de sua virtuosidade, o pianista está a favor da experimentação e de mostrar um campo aberto para novos apreciadores de jazz, suas melodias soam bem contemporâneas e coesas, buscando a criatividade a todo instante. “Invisible Cinema” conta ainda com a participação do guitarrista Mike Moreno, Eric Harland na bateria e Matt Penman no baixo. A partir da faixa que abre o disco “Travelers”, já observamos que iremos adentrar em terreno desconhecido, se tratando de um álbum diferente de um disco de jazz mais purista. Moreno que entra a partir da segunda faixa tocando a inspiradíssima “Peaceful Warrior” acentua a qualidade da melodia fazendo um solo magistral na composição de Parks. Nas faixas “Into The Labyrinth” e “Afterglow”, o pianista também mostra que tem talento para ser um músico de concertos. Em "Nemesis" e "Harvesting Dance” o flerte de Parks com o indie e o rock experimental ganha contornos contemporâneos. Virtuosismo, originalidade e coragem estão presentes nesse extraordinário álbum lançado em 2008. Vida longa a Aaron Parks. Vida Longa ao seu jazz de olho no futuro. Abaixo o link. Good Trip !!!
“Eu sempre quis que meu instrumento soasse como um Dry Martini”
O talentosíssimo pianista Fred Hersch é ao lado de Tord Gustavsen e Aaron Parks, um dos pianistas contemporâneos que eu mais gosto, sua maestria e dedicação ao piano estão a favor da sensibilidade e da técnica apurada, segundo o escritor David Hajdu autor da biografia de Billy Strayhorn, o pianista e compositor estadunidense Fred Hersch seria o expoente de um jazz para o século XXI. Nascido em Cincinatti, Ohio em 1955, Fred começou a aprender piano bem cedo e estudou no New England Conservatory of Music em Boston, mas radicou-se em Nova York, onde vive desde 1977. Ele já tocou com Sam Jones, Billy Harper, Joe Henderson, Lee Konitz, Charlie Haden entre outros. Em sua jornada, Fred mostra ligações com o jazz de Thelonius Monk e Charles Mingus, sendo muito influenciado também pela música brasileira, já tendo trabalhado com as cantoras Leny Andrade e Luciana Souza. Em 2009, Fred lançou um álbum em homenagem ao compositor Antonio Carlos Jobim, fazendo um disco incrivelmente bem elaborado e sensível, o pianista passeia por encadeamentos rítmicos com leveza e profundidade, utilizando estruturas clássicas nos arranjos, como é o caso de "O grande amor", em que ele realça a melodia envolto de uma técnica habilidosa e "Insesatez" em que ele alterna o andamento ora suave e depois avança, fazendo uma linda ponte conceitual para esta canção. O disco conta ainda com a participação do percussionista Jamey Haddad, que aparece em "Brigas Nunca Mais" e Hersch encerra o álbum com a clássica "Corcovado", onde mescla notas meditativas com uma harmonia estruturada, exaltando a linda melodia da canção. Lembrando que em 1998, Fred lançou o ótimo disco "Sing We Know", ao lado do guitarrista Bill Frisell, onde a versão para "Wave" de Tom Jobim é extremamente bela. Fred Hersch plays Jobim, é um disco sensacional em que o artista traz um frescor original para a obra de Jobim, extremamente revigorada e prazeirosa. Uma grande homenagem ao nosso maestro Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim, o Tom. Abaixo o link !!!
"A palavra Jazz vem do francês Jaser, conversar. O Jazz, de fato, é uma forma de diálogo entre instrumentistas. Estas novas formas, que muito contribuiram para recuperar o mundo vocal, auditivo e mimético que vinha sofrendo a repressão da palavra impressa, também inspiraram os estranhos novos ritmos da era do Jazz, aquelas várias formas de síncope e descontinuidade simbolista que como a relatividade e a física quântica, anunciavam o fim da era de Gutemberg, com suas macias e uniformes linhas tipográficas. Se o Jazz é considerado o mecanismo em direção ao descontínuo, ao partipante, ao espontâneo e ao improvisado, também pode ser visto como retorno a uma espécie de poesia oral, em que a interpretação é ao mesmo tempo criação e composição".
É sempre bom ressaltar a importância de Bud Powell na modernização do jazz, sendo ele um dos principais protagonistas ao lado de Charlie Parker, Thelonius Monk e Dizzie Gillespie na criação do bebop. Bud nasceu em 1924, em Nova York e começou a tocar com 5 anos de idade, aos 7 anos já acompanhava músicos de jazz em concertos e ensaios para ser admirado por outros músicos. Tornou-se profissional aos 15 anos e em 1941, Bud já possuia um nome estabelecido na cena jazzística, quando é convidado pelo ex-trompetista da orquestra de Duke Ellington, Cootie Williams, para excursionar com sua banda. Em seguida agravam-se seus problemas com alcoolismo e anos depois é preso com Thelonius Monk por porte de drogas. Morou na França de 1959 a 1964 e compôs músicas dedicadas ao povo francês, que tanto apreciava a sua música. De volta a Nova York levando uma vida atribulada e com problemas de saúde, Bud vem a falecer em 1966. Ele gravou com Charlie Parker, Dizzie Gillespie, Miles Davis, Sonny Rollins, Dexter Gordon entre outros. Bud Powell escreveu sua história com composições que continuam sendo tocadas até hoje. Os momentos mais luminosos de sua carreira estão gravados pela Blue Note em 3 sessões, realizadas em 9 de outubro de 1949, as pérolas "Dancing of the Infidels" e "Bouncing with Bud", com Fats Navarro (trompete) e Sonny Rollins (saxofone), "Un Poco Loco" com Curley Rusell (baixo) e Max Roach (bateria) em 1° de maio de 1951 e em 14 de agosto de 1953 grava "Glass Ecloure". Disponibilizei uma coletânea com um apanhado dessas gravações que mostram como o piano de Bud é inspirador. Abaixo o Link:
Uma espécie de encanto e magia vem à tona quando o grupo Rudder sobe no palco. Projeto formado por músicos da cena instrumental e avant-garde nova-iorquina, que geralmente tocam em pequenos clubes, o grupo Rudder é sinônimo de experimentação e de um som que gravado em estúdio expõe a intenção do que esses músicos fazem ao vivo. Rudder utiliza aparatos e disponibilidades tecnológicas para criar e improvisar ao vivo e texturas e efeitos hipnóticos para quem ouve seu som, um laboratório fusion jazz que vai de Electroclash(termo criado pelo Dj americano Larry Tee para identificar um tipo especial de música eletrônica que estava surgindo em Nova Iorque por volta do ano 2000) ao Nu-Jazz . Tive o privilégio e o prazer de assistir o show deles no Festival de Jazz & Blues de Rio das Ostras em 2009 e fiquei extasiado e maravilhado com o som dos caras, em primeiro lugar por que sou um grande fã do saxofonista Chis Cheek formado em Berklee e de formação jazzística, Cheek para mim é um dos melhores saxofinistas dessa geração, ele já tocou com gente como Charlie Haden, Bill Frisell, Joshua Redman, Paul Motian entre outros. Chris é também o grande diferencial e músico brilhante do grupo, com seu saxofone em punho, ele hipnotiza a platéia tirando efeitos de seu saxofone ligado em pedais de guitarra que criam muitas das frases melódicas experimentais do grupo. Rudder também conta com o tecladista Herry Hey, que usa e abusa de texturas sintetizidas e sampleadas, que já tocou com Bill Evans, Till Broenner e Rod Stewart e ainda também no grupo o baterista Keith Carlock que possui uma passagem pelo grupo Steely Dan e integrou o trio do guitarrista Wayne Krantz e no baixo Tim Lefebvre que faz parte da banda do programa "Saturday Night Live". Segundo as palavras do próprio Tim: "Ao invés de soar como quatro indivíduos, buscamos atmosferas sonoras", está aí a explicação para o som alucinante do quarteto, afinal para que serve um laboratório, senão experimentar. Consegui o álbum Matorning lançado em 2008 e chapei na primeira audição, um disco fantástico e viajante. Abaixo o disco. Good Trip !!!
Uma das artistas e cantoras mais interessantes e criativas da contemporaneidade é sem dúvida Beth Orton, nascida em Derehan, Inglaterra, em 1970. Beth lançou em 1999, Central Reservation um amadurecimento musical em relação ao seu álbum anterior, Trailer Park (1996). Em Central Reservation, Orton passeia pelo folk habitual de seu trabalho com pitadas de música eletrônica. Em momentos do disco percebemos uma sonoridade com elementos de trip hop, Beth que já colaborou com artistas da cena eletrônica como o Chemical Brothers em meados dos anos 90, nesse álbum usa elementos de música eletrônica apenas como ferramenta e não como uma regra, já que o que prevalece no disco é o seu ambiente acústico e a boa perfomance vocal da cantora. O disco que contém as partipações de Ben Harper tocando slide guitar na faixa de abertura "Stolen Car" e do músico de folk Terry Callier em "Pass in Time", é muito bem construído e que segundo a declaração da própria dada a revista Rolling Stones na época de lançamento do disco, ele possui uma vibração própria. A melancolia de Orton em certos momentos rende boas faixas como o folk "Blood Red River", e a dylanesca "Love Like Laughter". Em 2006, Orton lançou o bom Confort of Strangers, um trabalho mais direcionado ao folk tradicional, mas foi em Central Reservation que Beth deixou um registro sobre o seu telento e sua personalidade musical, um disco muito bom que vale a pena ser ouvido. Abaixo o link do álbum.
Eu podia estar em uma estrada do Mississippi, sob velhos trilhos do sul do Estados Unidos escutando um andarilho tocar seu violão national steel com um dedal de metal, trazendo lamentos, pulsação e alma para os meu ouvidos. Foi assim desde o 1° play no som de Kelly Joe Phelps, músico estadunidense que resgasta canções de blues acústico com referências da velha guarda e toques contemporâneos. Kelly Joe Phelps cresceu em Sumner, Washington, uma cidade pequena e simples dos EUA e começou a tocar guitarra com 12 anos. Ele se concentrou em free jazz e seguiu o estilo de músicos como Ornette Coleman, Miles Davis e John Coltrane e passou dez anos tocando jazz como baixista. Mas tudo mudou quando começou a ouvir mestres do blues acústico como Fred McDowell e Robert Pete Williams. O estilo de Joe Phelps é caracterizado pelo seu lapstyle slide, solo em um violão deitado em que ele dedilha e dá palhetadas com uma pesada barra de ferro. Inspirado pelo nascimento de sua filha Rachel em 1990, Phelps começou a compor músicas e a cantar. Em 1995, ele lançou seu eleogiado álbum de estréia, Lead Me On. Depois lançou seu segundo álbum, Roll Away the Stone(1997) e seguiu com Shine Eyed Mister Zen(1999). Seu quarto álbum, Sky Like a Broken Clock, apareceu em 2001, dessa vez com acompanhamento de um baixista e um baterista. Beggar's Oil EP, foi a favorita dos críticos em 2002. Em ordem para alcançar um som rico e orquestrado em Slingshot Professionals, lançado em 2003, ele coletou um ampla turma de músicos para tocar violão, baixo, bateria, bandolim, violino e acordeão. Em 2005, Phelps lançou um álbum acústico, Tap the Red Cane Whirlwind, que foi seguido um ano depois pelo álbum de estúdio Tunesmith Retrofit. Western Bell é seu oitavo álbum, contendo músicas instrumentais e pode ser um verdadeiro passeio pela alma das estradas e trilhas norte-americanas que segundo a definição em seu site são composições tão completamente formadas, tão salpicadas com os fatasmas da American Music, que você juraria que elas existirão por gerações. Segundo o grande guitarrista Bill Frisell: "Ele parece ter batido na artéria de algum jeito. Tem muito acontecendo entre e atrás das notas. Mistério. Ele foi uma inspiração para mim", observa Frisell no site de Phelps ao ter contato com a música do próprio. Concluindo, posso dizer que a música de Kelly Joe Phelps é poderosa, forte como um hino das estradas da região do Delta, Mississippi, forte como uma história contada nas cordas de andarilhos e românticos que tocam seu blues em um violão lapsteel por aí. Abaixo postei o cd Shine Eyed Mister Zen, apreciem !!! Delta Vibe !!!
Saiu em DVD no Brasil, o projeto "Playing For change - Peace Thoung Music" dos diretores Mark Johnson e Jonathan Walls, o projeto que consiste em gravar e captar perfomances de músicos de vários lugares do planeta e transformar em uma espécie de clip simultâneo, criando uma nova combinação em que todos os artistas estão, essencialmente, realizando em conjunto, apesar de centenas ou milhares de quilômetros de distância suas apresentações, foi a ambiciosa jornada dos idealizadores que levou os do pós- apartheid da África do Sul, através dos sítios arqueológicos do Oriente Médio, até a beleza remota do Himalaia e além, conforme descrito na contracapa do DVD. Usando tecnologia móvel de captação de som, os diretores filmaram e gravaram mais de 100 músicos, em grande parte ao ar livre em parques, praças, estradas, nas ruas de paralelepípedos e em meio a montanhas, trazendo elementos musicais de diversas culturas e etnias. O documentário ainda conta com a participação de artistas como Bono Vox, Keb Mo e Nahuel Schajris. Destaco a apresentação do músico de rua Roger Ridley, que com sua apresentação abre o documentário com uma belíssima perfomance de "Standy by me". Playinng For Change é o resultado de uma colaboração global de artistas em prol de um mundo pacífico e sonoro. Vale a pena assistir. Abaixo o link da versão de "One Love" de Bob Marley que aparece no DVD !!!
Bon Iver pode se orgulhar de ter lançado um belíssimo disco, de enorme sensibilidade. Justin Vermon (nascido em Eau Claire, Wisconsin, EUA, em 1981), o mentor por trás dessa obra, montou o Bon Iver — nome retirado da expressão francesa bon hiver (bom inverno) em 2007, os outros integrantes são Michael Noyce, Sean Carey e Matthew McCaughan. O disco "For Emma, Forever Ago", lançado em 2008, pode ser apreciado como um disco de canções folk, que exaltam doses de experimentalismo e harmonias vocais inspiradíssimas, seja na poesia contida nas letras ou na construção de lindas melodias, o disco que foi gravado durante os três meses em que Justin passou sozinho numa cabana no meio da neve após o desmembramento de sua antiga banda DeYarmond Edison, chama atenção pelo vocal exótico e sensível do vocalista e compositor Justin Vermon que ampliou a sonoridade do álbum com muitos overdubs e uma atmosfera lo-fi de toques e vozes precisas. O disco que remete entrar em um estado de instropecção e até mesmo relaxar, me surpreendeu pela qualidade sonora e melódica, em que Justin nos ensina como desenhar uma canção e como conversar com a alma. Abaixo o link do disco "For Emma, forever ago". Blesses !!! 
Tudo se transformou, a paixão veio repentina, mas nesse momento só sou eu, eu e o meu fôlego, adentrando no prestígio dessa noite. Ando meio cansado, cansado, porém vivo. Nesse instante o vento me leva até a ponte, nessa ponte eu e meu saxofone levam a música e o sentimento do meu coração pra fora. Me afastei um pouco, o pouco que dois discos de sucesso me esvaziaram, minha música não tem regras, não é ditada por nenhum homem de negócios, eles não podem beber do meu vinho, muito menos se alimentar da minha chama. Minha melodia é levada por entre os vultos da cidade, o Brooklyn que parece tão distante ao mesmo tempo tão próximo, leva meu clamor a se suicidar para renascer um novo homem, um novo músico. Cresci no Harlem, envolto da nata jazzistica desse planeta e sei agora que Parker e Hawkins podem ouvir meu blues aonde estiverem. Eu procuro estar aqui agora e me conectar com meu verdadeiro som, com a minha música interior.
Duane Allman, nasceu em Nashville, Tenesse (USA), em 1946, foi membro fundador da banda The Allman Brothers e tocou no disco clássico de Eric Clapton, Derek & The Dominos – Layla & other assorted love songs, é dele a guitarra slide de ‘Layla”, grande clássico de Clapton. Duane Allman, analisou profundamente álbuns de suas influências musicais. Mike Johnstone, um companheiro de quarto na academia militar que ambos serviram, lembra-se de Duane, descalço, tocando junto com um álbum de B.B. King. Segundo Johnstone, ele parava e voltava o disco com o dedo do pé enquanto aprendia um lick, depois deixava o disco tocar até o próximo lick. Assim ele passava pelos dois lados do álbum e repetia o processo por horas a fio. Tamanha dedicação rendeu a Duane grandes discos e solos inspirados, além de ter tocado com o Allman Joys and the Hour Glass, Duane Allman participou como músico de estúdio, gravando uma linda versão de “Hey Jude” dos Beatles, junto com Wilson Pickett, também tocou com Aretha Franklin, King Curtis, Delaney and Bonnie, Ronnie Hawkins, Clarence Carter, John Hammond, Boz Scaggs, Herbie Mann e outros artistas, documentados em Duane Allman: An Anthology Volumes 1 e 2. Infelizmente, Duane Allman faleceu precocemente em 1971, mas deixou um legado musical incrivelmente inspirado e bonito. Duane foi um dos precursores do chamado southern rock, mistura de blues e rock com pitadas do sul dos Estados Unidos. Discos tocados com a sua banda The Allman Brothers, Layla e sessões de estúdio são verdadeiros clássicos da música universal. Que os discos de Duane Allman nos ilumine feito sua preciosa frase.
Texto de Fidel Castro, extraído da Revista Caros Amigos, de Agosto de 2008
Gaspar David Friedrich
Trechos do Livro "Fragmentos de um discurso amoroso" - Roland Barthes
Ouvindo: Paulo Vanzolini - Tempo e Espaço (Paulo Vanzolini)
Tive o privilégio de curtir o show da banda de reggae das Ilhas Virgens, Midnite. Muitos que viajam em som estavam presentes, um show sensacional, como disse o camarada lavou a alma, mas se lavar alma, é quando temos uma sensação agradável, nesse caso, o show foi um banho, mas fica a pergunta, o que seca nossa alma? Voltando ao show, defini o som dos caras como “Reggae mântrico”, a pressão das linhas de baixo, a cadência dos músicos e a voz do vocalista Vaughn Benjamin, fazem da banda uma das mais singulares e originais dessa nova geração do reggae, o diferencial da banda está justamente nas fusões e possibilidades que a banda usa em torno de sua música, misturando o reggae roots, com o ragga e o powerreggae, entre outras influencias, a banda faz um som totalmente hipnotizante. Com uma carreira composta por uma obra já prolífica, Midnite nos apresentou um show inesquecível. Entre uns amigos meus, que estavam ao meu lado ouve um momento do show em que a discussão era a marcação do compasso da banda que no 4/4, hipnotizavam até o talo todos nós. Coisa de músico mesmo, esse seu ouvido em, Brow.
